Los mejores discos punk rock en inglés del 2000 al 2014

2000 

#2 Millencolin ‘Pennybridge Pioneers’

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Érase el año 2000 y una banda sueca que tomó su nombre del truco de skateboarding, melancholy, cruzaba océanos. Era el tercer año consecutivo de alianza con Epitaph Records y pese a las angustias reversibles que podía dejar la crecida del internet en una agrupación hazlo tu mismo, como el rumor de que no gustaban de NOFX ni Pennywise, plataformas descansa en paz como Napster ayudaron a posicionar su catálogo en un público más amplio.

El mundo hablaba del emo, del punk acentuado en melodías que estaba tomando fuerza y desplazando los sonidos que dominaron el mundo a mediados de los 90. Casualmente, Millencolin alcanzó su sonido más dulce en pleno apogeo de bandas como New Found Glory y Saves The Day.

Pennybridge Pioneers desencadenó remordimientos con sus fans más antiguos. Querían seguir escuchando a la banda de Bullion. Clamaban por sus pasos ska. No entendían el cambio.

Ese mismo año, Nikola Sarcevik les aplicó un ejemplo básico como justificación:

Mucha gente estaba esperando que el disco sonara como los viejos. Si usted visita su casa en verano, no espera ver del mismo tamaño aquel árbol plantado el año pasado. Usted no es una copia de años anteriores. Cada persona crece y evoluciona. Es progreso. El desarrollo es una gran cosa y era muy importante para nosotros aplicarlo en este álbum.

La evolución terminó aplicándose en el esfuerzo lejanamente más importante en la carrera de Millencolin.

#1 AFI ‘The Art of Drowning’

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Napster nunca fue una amenaza para afi en el año más conflictivo del internet con la industria musical.

Aunque muchos de los temas dentro del The Art Of Drowning transmitían sentimientos de ruptura con el si mismo y el quiebre de conexiones de un individuo con su entorno, consecuente a sus años dorados en el emtivi, Davey Havok estuvo consciente del alcance que podría obtener con su música. Mensaje sin límites. Sentimientos compartidos. Arte para todos.

Tras una exitosa gira con Distillers y Rancid, con el respaldo de un álbum de éxtasis instantáneo que sonaba fuera de control, en los meses siguientes AFI estaba referida por doquier como ‘The Next Big Thing’.

The Art of Drowning los expulsó del underground y marcó el cierre de contrato con el desaparecido sello de Dexter Holland (The Offspring) Nitro Records. En 2003 salió Sing The Sorrow a través de Universal y el resto es historia.

Josué

2001

#02 The Bouncing Souls ‘How I Spent My Summer Vacation’

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Como dice una línea del coro de ‘Something Better’, cada vez que escucho este disco quiero comenzar de nuevo.

No hay forma de pasar un mal momento mientras se escucha ‘How I Spent My Summer Vacation’. Haya sido un día mierda, sin audífonos en el transporte público, con dolor de cabeza un viernes en la mañana, trasnochado un lunes por un trabajo final, o alguna pérdida en particular, este álbum le levanta el ánimo a cualquiera que necesite una cucharada de optimismo.

‘How I Spent My Summer Vacation’ es la definición de felicidad.

#01 blink-182 Take Off Your Pants and Jacket

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En 2001 Mark y Tom no querían lanzar un Enema 2.0. En realidad, si prestan atención a toda la discografía de blink, nunca lo han hecho; cada uno de sus trabajos es un mundo aparte al otro y eso fue lo que intentaron con el disco negro.

Cuando les pasaron los demos del “Take Off” a Jerry Finn, mostró su agrado aunque les advirtió sobre el faltante. Mark y Tom querían desligarse del sonido sobreproducido del Enema con un material más próximo sus raíces, sin embargo, cedieron a la solicitud de Finn en crear un par de hits para impulsarlo en la radio y MTV.

Fue así como en una noche, Mark compuso ‘The Rock Show’ y Tom ‘First Date’. Aunque ninguna de las dos logró superar la rotación de sus hits anteriores, se convirtieron de inmediato en un éxito desmesurado, posicionando su gusto entre las masas, mientras sus fans de antaño se apropiaron de todo un material, que en muchos casos, es superior al sentimiento del Enema.

Josué

2002

#02 Hot Water Music ‘Caution’

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De entrada, Hot Water Music se negó a si mismos en ser encajados en algún género o estilo en específico. 2002, 7 años luego de su formación en el paraíso de los jubilados,  y aún la banda estaba en un lugar en el que no tenían limitaciones en cuanto a quienes eran y lo que pretendían alcanzar.

La primera promesa que hizo Hot Water Music sobre ‘Caution’ en 2002 ante los medios, es que sería mejor que “A Flight & A Crash”. Definido como más enfocado y fuerte, ese enfoque es la razón por la cual seguimos escuchándolo como si fuese ayer.

#01 Bad Religion ‘The Process of Belief’

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Pese al incuestionable talento que posee una banda como Bad Religion, similar a muchos otros exponentes punk rock de su momento, nunca logró expandir su legado a un nivel de estadio.

Tras el fracaso en ventas de ‘New America’ y ‘No Substance’, como parte del contrato de 4 discos que tenían con Atlantic, la parte contratante los liberó sin presión y Bad Religion se ajustó al panorama.

El regreso a su casa discográfica de siempre no podría llegar sin Brett Gurewitz en el combo. La combinación dio como resultado el álbum más importante de Bad Religion desde el Gray Race (1996) y el inicio de una nueva era para la banda a raíz de una cosecha de frutos ascendentes que se repartieron entre giras y elogios por parte de la crítica especializada.

Josué

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#02 Rise Against ‘Revolutions Per Minute’

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Cuenta la leyenda que en una ocasión Tim McIlrath y Joe Principe no conseguían un estudio donde grabar su segundo LP. Claro, Rise Against no era por aquellas épocas lo que es hoy y varios estudios los rechazaron por tener la agenda muy ocupada. Fue ahí cuando un amigo de un amigo dentro de Fat Wreck Chords les recomendó intentar con The Blasting Room y un tal Bill Stevenson…

Fue así que el cuarteto de Chicago se subió a la van, cargó el CD de lo mejor de Journey y se lanzó en un viaje de 20 horas desde la ciudad ventosa hacia Fort Collins, Colorado.

La leyenda también dice que Black Masks & Gasoline fue el primer tema de RPM que tomó forma. Tan sólo imaginen a Stevenson tomando semejante bombtrack en sus manos. “Grabar con Bill en Blasting Room fue la mejor decisión que hemos tomado”, disparó Principe en una entrevista con AbsolutePunk. No fue sorpresa que a partir de allí todo saliera de maravilla.

#01  Alkaline Trio ‘Good Mourning’

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El plan perfecto de Vagrant era simple: poner a Alkaline Trio en el estudio con mucho tiempo y dinero. Junto a Jerry Finn, el reconocido productor de Green Day, The Offspring y Rancid, entre otros, y Derek Grant debutando en la batería, el trío se embarcó con la presión de suceder a From Here To Infirmary.

El mayor contratiempo fue Matt Skiba y su voz, que parecían no estar en la misma sintonía y en dos ocasiones hubo que pausar la grabación. Cuenta Skiba en una entrevista que el cierre del disco se retrasó debido a que su voz en Blue In The Face estaba tan mal que decidió volver a L.A. para regrabar las pistas a último momento.

“Fue difícil de hacer, pero creo que logramos mucha diversidad en lo que se refiere al contenido de las canciones. No es todo oscuro ni todo sobre amor”, confesó Dan Andriano y a su vez reveló que Good Mourning es su preferido.

Primero hay que saber sufrir, dicen. Vaya que el esfuerzo valió la pena.

Ezequiel

2004

#02 Rise Against ‘Siren Song Of The CounterCulture’

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Siren Song Of The CounterCulture marcó el debut del cuarteto de Chicago en un sello grande: Geffen Records. También es reconocido por aquella dura y burlona reseña que recibió en Pitchfork que le dio 2.9 de puntuación sobre 10. Pero más allá de ello, en varias entrevistas los músicos se mostraron con algunos sentimientos encontrados para con su trabajo. El cambio de sello y dejar The Blasting Room parece que no haber dejado muy conformes a McIlrath y cía.

No obstante, este LP logró que temas como Swing Life Away y Give It All fuesen un éxito rotundo, algo que no habían conseguido cuando anteriormente se publicaron en diferentes compilados. Una vez McIlrath dijo sobre Siren Song: “El disco salió casi sin repercusión. Vimos las ventas y notamos que no íbamos a conquistar el mundo con un sello grande. Entonces dijimos ‘bueno, esa fue nuestra oportunidad. Volvamos a girar, a hacer lo que sabemos. No necesitamos este sello ni necesitamos éxito’”.

El destino llevó a Rise Against a dejar cabizbajos el major-label y firmar con Dreamworks, que poco después fue comprada por… Geffen. Un buen día, las partes se unieron y Siren Song despegó. Y no lo bajaron más.

#01 Descendents ‘Cool To Be You’ 

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Lo que Descendents logró con este disco es algo que desvela a muchas bandas: el paso siguiente al gran éxito. Si bien los héroes de Hermosa Beach traen a cuestas los puntos altos de Milo Goes To College y ALL, es inevitable reconocer que Everything Sucks fue el disco que marcó a fuego la carrera.

La continuidad post éxito es quizás el momento más complicado para cualquier banda. Pero claro, Descendens está lejos de ser “cualquier banda”. Acostumbrados a sobrellevar amplias inactividades entre discos, la clave es simple: Milo siempre será Milo y el resto, mientras Aukerman estudiaba, creaba grandes discos con ALL.

Aún así, esto era otra cosa. El público esperaba ansioso un nuevo material y Descendents debía demostrar que no eran unos viejitos jugando con el dinero de Fat Mike. Y hablando del míster Burkett, cuando le consultaron sobre los lanzamientos más importantes de su sello, no dudó: “Cool To Be You fue obviamente un gran acuerdo, porque ¡oye, son los Descendents ¿Quién hubiese pensando que alguna vez lanzaríamos un disco de Descendents?!”

Ezequiel

2005

#02 Against Me ‘Searching for a Former Clarity’

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Tom Gabel nunca fue muy fan de Jawbox, sin embargo, fijó su interés en J Robbins para la producción de ‘Searching for a Former Clarity’, no solo por su admiración al primer álbum de Jets to Brazil, ‘Orange Rhyming Dictionary’, más sí porque buscaba proyectar algo más en su música.

Se trataba del segundo disco de AM en Fat Wreck; Gabel quería sentirse en una banda punk sin limitaciones artísticas. Se dejaba decir que eso era lo que sus gustos musicales reflejaban.

Condimentado en temáticas político-sociales, incluido el saludo efusivo a Condoleezza Rice, el álbum se coronó como uno de los lanzamientos independientes más importantes del año. Ingresó a la lista de los 100 más vendidos en Estados Unidos y el resto quedó en actas.

Cuando Punknews quiso conocer la opinión de Gabel en cuanto a la etiqueta de ‘vendidos’ que le impusieron varios de sus fans viejos, se limitó a citar a Blake Schwarzenbach de Jawbreaker:

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#01 Propagandhi ‘Potemkin City Limits’

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2004 será recordado como en el año en el que el punk gringo se puso los guantes contra George Bush. Aprovechando la influencia de su sello discográfico, Fat Mike organizó el lanzamiento de un proyecto de movilización, arraigado en sentimientos de antiguerra y pro paz, a cargo de bandas de skate punk contra la campaña electoral de Bush.

La canción que Propagandhi eligió para el compilado fue “Bullshit Politicians“, un tema que en lugar de echarle tierra al susodicho, argumentaba que los dos partidos políticos, republicanos y demócratas, estaban igual de jodidos, por lo que no importaba cual ganara, puesto que ”ninguno iba a hacer un cambio significativo en el sistema capitalista estadounidense.”

Con los guantes puestos, Fat Mike censuró una parte del tema porque no coincidía con el mensaje que se deseaba transmitir con el álbum. Trató de negociar con Chris Hanna (compositor) pero se negó a realizar cualquier cambio, y de paso, a participar el material.

El roce pre Potemkin  afectó la relación ante ambas partes, de igual forma, Propagandhi se vio obligado a lanzar el mejor álbum del 2005 en Fat Wreck Chords debido a un contrato previo.

Josué

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#02 The Lawrence Arms ‘Oh! Calcutta!’

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El punk rock no siempre fue acerca de anarquía, política, odio, lucha y derivados. Brendan Kelly y Chris McCaughan, amigos desde la infancia, decidieron homenajear la amistad y, literalmente, unir sus voces para darle vida a Oh! Calcutta!

En un giro inesperado y casi sin precedentes, The Lawrence Arms dejó de conformarse por “temas de Chris” y “temas de Brendan” para convertirse en una mezcla explosiva pero emocional. Previo a que las bandas de jovencitos pop-punk tome a la amistad como eje y en medio de una oleada de punks cantándole a Bush y maldiciendo a la política de turno, el trío de Chicago hizo de tripas corazón.

El resultado fue tan emocionante y genuino que arrolló a las críticas sobre el cambio de “fórmula” con respecto a su gran predecesor, The Greatest Story Ever Told, que parecía haberse convertido en el favorito de todos.

“Fue sencillamente tan divertido. Fue hecho en un momento realmente alto de la banda, cuando éramos nosotros tres pasando el tiempo juntos, saliendo a tomar cada noche y componiendo canciones”, admitió Kelly sobre Oh! Calcutta!, explicando la razón por la cual es su favorito. ¿Y quién podría estar en desacuerdo?

#01 Gallows ‘Orchestra Of Wolves’ 

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El million dollar baby británico es un caso complejo de explicar. Mientras en el Reino Unido ascendían bandas del ambiente indie-brit-rock, Gallows apareció con su hardcore-punk furioso y un  impresionante LP debut y logró algo sencillamente inexplicable: un contrato millonario con Warner Bros.

Orchestra Of Wolves se había grabado de forma independiente y logró un gran recibimiento entre  el público, tanto es así que Epitaph posó sus miradas sobre Gallows y decidió distribuirlo por los Estados Unidos. Si bien el rédito del disco estaba a las claras, nadie esperaba que un día llegue la noticia de que Warner firmaría con el quinteto de Watford un contrato ¡de 1 millón de libras y opción de 3 lanzamientos!

“Somos el mayor error de la industria discográfica británica”, dijo el frontman Frank Carter cuando Gallows se disponía a promocionar Grey Britain, su debut con la multinacional y digno  sucesor del bestial primer LP. Al poco tiempo, Warner entendió que Gallows no sería un objeto  moldeable a imagen y semejanza del sello y el contrato se rompió.

Si se preguntan cómo suena este disco, simplemente piensen en esto: Orchestra Of Wolves llevó a Gallows a donde ninguna otra banda de hardcore-punk británica llegó jamás.

Ezequiel

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#02 A Wilhelm Scream ‘Career Suicide’

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A Wilhelm Scream venía con la propulsión al máximo luego de lo que habían logrado con Ruiner dos años antes. La fórmula del éxito no se modificó en absoluto: The Blasting Room con Bill Stevenson y Jason Livermore, y Nitro Records, la discográfica de Dexter Holland.

Los hardcore-punk rockers de New Bedford siempre se caracterizaron por salir del estudio directamente hacia la carretera, lo que eventualmente, poco tiempo antes de entrar a grabar Career Suicide, llevó al guitarrista Chris Levesque a dejar la banda.

Levesque era miembro desde los primeros años (cuando A Wilhelm Scream aún se llamaba Smackin’ Isaiah) y pese a estar próximo a la grabación, decidió alejarse. “Me mantuve en formación hasta que dejó de ser divertido. No hay problemas personales o creativos con el resto, simplemente ya no disfruto el día a día estando de gira”, admitió.

“La salida de Nick fue un golpe, pero por suerte tenemos amigos talentosos”, aseguró el baterista Trevor Rilley. Nick Diener, guitarrista de The Swellers, reemplazó a Levesque y adivinen, A Wilhelm Scream salió al mundo a presentar Carrer Suicide, el mejor disco de 2007 según los usuarios de punknews.org.

#01 Lifetime ‘Lifetime’

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Desde la disolución en 1997, el mito de Lifetime creció y parecía gozar de mejor salud que cuando Yemin, Katz y compañía estaban activos full-time en la escena hardcore-punk de la costa este.

Sería normal pensar que Lifetime decidió volver sabiendo que había una gran expectativa a la espera de una reaparición. Sin embargo, el revival del quinteto de New Jersey se consolidó en 2006 luego de varios intentos de los organizadores del Hellfest francés y de la importante aparición de Pete Wentz, guitarrista de Fall Out Boy, dueño de Decaydance Records y gran fan de Lifetime.

Lejos de quedar en tan sólo algunos shows, Wentz le propuso a la banda entrar a grabar el sucesor del aclamado Jersey’s Best Dancers: “Hagan el disco que quieran hacer, de la manera que lo querían hacer”. En seis meses, la banda ya tenía listo lo que no se había dado en 10 años.

Yemin, que en principio era el menos interesado en volver, declaró sobre la reunión de su banda: “No íbamos a limitarnos a tocar canciones de hace 12 años. Para no recaer en una estancada banda de covers, había que seguir creando”. Lo que crearon resultó tan bueno que ni siquiera le encontraron un nombre.

Ezequiel

2008

#02 H20 ‘Nothing to Prove’

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7 años transcurrieron entre el lapso del ‘Go’ y ‘Nothing to Prove’, y a Toby Morse, intérprete, le quedó algo claro: A la gente ya no lo importa que el disco (Go) haya salido a través de una multinacional.

‘Es divertido ver como algunos fans odiaban ‘Go’ cuando salió, y ahora les encanta. Antes era como mandatorio odiar un disco de ‘punk’ cuando salía mediante una multinacional, ahora eso a nadie le importa’.

Para ‘Nothing to Prove’, Toby se centró en resurgir la energía y crudeza del sonido original de la banda, y todo lo demás se resume en buenos momentos.

En 2008 hubo un álbum de grandes éxitos con piezas inéditas para izar la pasión por encima de cualquier tendencia.

#01 The Gaslight Anthem ‘The ’59 Sound’

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The ’59 Sound llegó a tiendas en agosto del 2008 sin pena ni gloria. Se trataba de una banda relativamente nueva que se había dado a conocer un año antes con Sink or Swim, a través de la comunidad de piratas de Soulseek y junkies de Punknews.

Semanas luego, la historia cambió. Las recomendaciones boca-boca rebotaron con reseñas profesionales, en medios de mayor alcance como CoS, Pitchfork y NME, que arruinó el secreto mejor guardado de varios hipster sin razón.

The ’59 Sound se convirtió en el lanzamiento de rock alternativo más fundamentado en inmortalidad de ese año.

Josué

2009

#02 Banner Pilot ‘Collapser’ 

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A comienzos de 2009 a Banner Pilot le sucedió lo que muchos sueñan y nunca consiguen: componer un disco y que Fat Wreck Chords venga a buscarte para publicarlo.

Así como sucedió con Lifetime y Pete Wentz, la banda punk-pop de Minneapolis tuvo a su propia hada madrina en Bill Morrisette, guitarrista de Dillinger Four, la reconocida banda del mismo vecindario de Banner Pilot.

Con Collapser en la etapa final de composición, Morrisette acercó al sello de Fat Mike a la banda y firmaron rápidamente. “El 99% de la composición tuvo lugar antes de firmar, por eso el proceso de grabación fue realmente distendido y divertido”, admitió el bajista Nate Gangelhoff, y agregó: “De todas maneras, en Fat habían escuchado 11 demos de los 12 temas que teníamos, por lo tanto no teníamos que preocuparnos por grabar y que piensen ‘oh, estos tipos apestan’”.

Por su parte, el frontman Nick Johnson resumió la fórmula que llevó a Banner Pilot al éxito: “Tuvimos suerte que en 2009 Fat Wreck Chords haya querido lanzar Collapser. De seguro ha sido un viaje divertido”.

Claro que a la suerte hay que ayudarla. Banner Pilot compuso un gran disco y la fortuna no tardó en venir por ellos.

#01 Propagandhi ‘Supporting Caste’ 

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A esta altura, nadie que lea estas líneas debería ser interiorizado de lo que es Propagandhi. Si no sabes de lo que hablamos, quizás estés en el sitio equivocado. Los cuatro mosqueteros canadienses (con David The Beaver Guillas debutando en el estudio) sortearon algunos cambios sensibles y salieron airosos con un LP bestial.

Luego de casi 15 años de trabajar junto a Fat Wreck Chords, Propagandhi decidió intentar algo nuevo. “No estábamos viendo las cosas tan de la misma manera. Queremos a todos en Fat pero decidimos que intentaríamos hacerlo de otra forma. Pensamos que sería mejor colgarnos de nuestra propia cuerda que de la de alguien más si es que esto salía mal”, sorpresivamente declaró el bajista Todd Kowalski.

Smallman y G7 (el sello del propio Chris Hanna), unieron fuerzas para hacer que funcione. De Winnipeg a Colorado, Propagandhi fue al encuentro de Bill Stevenson para enterrarse 24/7 en The Blasting Room.

Si bien Chris Hanna una vez admitió que le hubiese gustado tener más tiempo para componer el disco y que algunos temas no quedaron como ellos querían, claro está que no hubo necesidad de colgarse de ninguna cuerda. Discusión de por medio, Supporting Caste quizás sea el mejor trabajo de Propagandhi hasta la fecha.

Ezequiel

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#02 The Flatliners ‘Cavalcade’

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La carrera de The Flatliners arrancó tan temprano que a la altura de su tercer disco todavía experimentaban cambios en cuando a gustos y madurez. El desafío era doble: crecer musical y profesionalmente y a su vez no “traicionar” a los fans que cosecharon con Destroy To Create.

La afinidad del joven Chris Cresswell y sus compañeros de banda por Rancid, The Suicide Machines y Operation Ivy llevaron a mezclar el punk y el ska frenético de manera explosiva en sus dos primeros trabajos. Pero claro, había mucho por aprender y avanzar.

“Compusimos Destroy to Create cuando teníamos entre 14 y 16 años. Aún estamos en años formativos de aprender mucho sobre música. Siempre tuvimos diversas influencias y nuestra música simplemente… ha evolucionado”, dijo Cresswell cuando le consultaron sobre el rumbo que tomó Cavalcade con respecto a lanzamientos anteriores.

Este LP combina la velocidad de los primeros discos (The Calming Collection) con la madurez del presente (He Was A Jazzman). Y podemos decir que realmente se equilibra muy bien.

#01 The Menzingers ‘Chamberlain Waits’

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Imaginen a una banda de la nueva oleada punk rock, mudándose a Philly y sacando un LP como Chamberlain Waits… The Menzingers encontraron rápidamente su camino desde la pequeña Scranton hasta Filadelfia, la ciudad de las mil y una oportunidades para el punk de las nuevas generaciones.

El plan era casi infalible y por si necesitara un empujón más, el cuarteto liderado por Greg Barnett viajó a Chicago a grabar con el productor Matt Allison, dueño del estudio Atlas y reconocidos por sus trabajos con Alkaline Trio y The Lawrence Arms, entre otros.

Cuanta el guitarrista Tom May que el nombre del disco “se refiere a los jóvenes que veían crecer en su ciudad natal, yendo a la preparatoria para conseguir algún trabajo en las industrias locales mientras esperaban por escapar de ese sistema”. Los Menzingers sabían que debían salir a buscar un futuro diferente que el que le proponía la escena de Scranton y hoy podemos decir que lo han logrado con creces.

Chamberlain Waits fue elegido mejor disco de 2010 por los usuarios de punknews.org y les abrió abrió las puertas de Epitaph para lo que después fueron On The Impossible Past y Rented World. Nada mal, ¿verdad?

Ezequiel

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#02 Title Fight ‘Shed’ 

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El de Shed vendría a ser otro de los casos que no necesitan mucha explicación. Title Fight venía abriéndose camino desde hacía varios años en la escena under del hardcore-punk-pop que proliferaba en los Estados Unidos pero no fue hasta que sacaron su primer LP en 2011 que consiguieron atención global.

Y no fue para menos, SideOneDummy firmó a los hermanos Russin que tenían muy en claro lo que querían. “Queríamos escribir canciones que pudiesen sostenerse por sí mismas, pero a la vez buscábamos que fluyan en conjunto en el álbum”, dijo Ned Russin, y añadió: “Yo mismo me declaro culpable de perder interés en un disco si los primeros temas no me atrapan”.

Title Fight era tan consciente de lo que necesitaba que sencillamente fue y lo hizo. Walter Schreifels (Youth Of Today/Gorilla Biscuits) fue el productor designado y, si bien el proceso de creación (y el de firmar con un sello) llevó mucho tiempo, el resultado fue claramente superior a cualquier expectativa. Cuatro años después y con otros dos trabajos en el medio, Shed sigue siendo el favorito de propios y extraños.

#01 Joyce Manor ‘Joyce Manor’

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Para estas épocas el punk que conocíamos desde comienzos de los 90 ya no era tal. La nueva generación se metió en el bolsillo a la escena con esa extraña mixtura entre la distorsión del hardcore old school y las cálidas melodías del indie actual. Joyce Manor resultó ser uno de los estandartes de ese nuevo sonido joven.

Allá por 2010, Elliot Babin (Touché Amoré/Dad Punchers/Warm Thoughts) acercó a 6131 algunos demos del cuarteto californiano y el acuerdo se realizó enseguida. El LP self-titled salió y sorprendió a más de uno con esa imagen de chicos despreocupados que quieren tocar punk pero que están influenciados por Weezer, Guided By Voices o The Weakerthans antes que por Black Flag o Circle Jerks. Eso sí, no hay mayor influencia hardcore-punk que la duración del disco y Joyce Manor despliega ¡10 temas en apenas 18 minutos!

La atención y las críticas favorables que recibió el disco (mejor álbum de 2011 según los usuarios en punknews.org) les posibilitaron luego firmar con Asian Man Records y hoy por hoy estar bajo las alas de Epitaph.

Ezequiel

2012

#02 Title Fight ‘Floral Green’

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La primera banda grande que los hermanos Russin escucharon fue blink-182 y eso les abrió paso a Minor Threat, Gorilla Biscuits y todo el cambo de agrupaciones clásicas que ya ustedes se saben de memoria.

5 años después de su primer lanzamiento, un split con Erection Kids, se escuchó un álbum que englobaba una sola palabra: Evolución.

Title Fight apuntó a varias direcciones con Floral Green, un sonido más potente, poderoso, un género re-descubierto transformado en algo por descubrir.

A crédito propio validaron que el punk aún puede ser innovador.

Josué

#01 The Menzingers ‘On The Impossible Past’

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Era apenas 21 de Febrero el 2012. The Menzingers nos regalaba un larga duración que sería recordado en la historia, era un antes y un después. Melodías, las cuales los más fieles al género solo podían imaginar y una selección de letras simplemente exquisita. Trece tracks magistrales. Esto y más es el ”On The Impossible Past’‘.

Este cuarteto oriundo de Scranton, Pensilvania hace alarde de tener no a uno, si no a dos de los mejores líricos/vocalistas dentro de la escena punk rock.

Dotados de una capacidad creativa envidiable Greg Barnett y Tom May le regalaron al punk rock una joya perdurable que al poco se convirtió en una bomba nostálgica que nos recuerda que en 2012 el mundo lejos de acabarse, mejoró con éste álbum.

2003  

#02 Iceage “You’re Nothing”

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En 2013 se corrió la bola de que Iceage era una banda simpatizante del neo-nacismo. Los fans pueden tomar sus propias decisiones, pero las acusaciones se basaron en imágenes antes que en retórica. En uno de sus shows se observa a varios asistentes haciendo el sieg hell y algunos de ellos tenían mercadería de la banda Death In June. Además, uno de sus integrantes es seguidor de Burzum, banda que tuvo como líder a Varg Vikernes, condenado a 21 años de prisión por asesinar al guitarrista de Mayhem, Øystein “Euronymous” Aarseth, y por la quema de 3 iglesias.

Sumado a eso, entre la mercadería de su gira estadounidense 2013, habían pequeños cuchillos a la venta. La banda se justificó diciendo que una arma pequeña no significa que estuvieran promoviendo violencia, más si una ocurrencia que les pareció divertida.

En realidad, ninguno de los integrantes de Iceage es abanderado del poder blanco. Según han declarado en múltiples entrevistas, todo se debió a un problema de interpretación entre fans y medios de comunicación.

El suceso procede como consecuencia a una de las primeras bandas danesas responsables en llevar el punk de los suburbios a las grandes ciudades. Por ejemplo, en promoción a ‘You’re Nothing’, la banda estuvo presente en uno de los programas matutinos más vistos de su país.

Aún así, Elias Rønnenfelt hizo un disco poco casual, salvaje, caótico, pero lo suficientemente interesante para ser del desagrado de un fan de NOFX.

#01 Violent Soho ‘Hungry Ghost’
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Violent Soho no saca un disco a menos de que estén 100% satisfechos con el resultado de cada uno de sus tracks. Luke Boerdam, cantante, considera que su banda es perfeccionista. Se vive del material hecho, por lo que en retrospectiva no le gustaría lamentarse por haber no dado lo mejor.

Llámenlo cliché, pero su discurso podría considerarse consecuente si se recapitula el impacto de “Hungry Ghost”, que aunque se trata de su tercer LP, fue el responsable en haber hecho a Violent Soho una banda de exportación australiana.

Si la nostalgia es una mentira sucia que insiste en que las cosas fueron mejor de lo que parecer ser hoy, entonces demos la definición por hecho.

Josué

 2014

 #02 PUP ‘PUP’
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Cuenta la historia que Brendan Kelly escuchó Menzingers, los presentó a Red Scare y el resto es algo conocido por todos.

También cuenta que Menzingers pasó por lo mismo con Pup, se acompañaron de ellos en sus tours y el 2014 terminó como el año que lanzó a la banda de Toronto bastante alto. Como si hubiera una parte bastante agresiva en el pop, pero que sin forzarlo mucho llega a ser simplemente perfecta.

PUP llegó con un sonido para quienes gustan de Menzingers o los inicios de Dead To Me, y un trabajo que, si es el debut de la banda (poniéndolo en puestos altos de muchas listas importantes) entonces ya permite poner una marca de “importante” para escuchar lo próximo que traiga la banda. Lionheart y luego enamorarse, en lo personal, la banda que llegó a cubrir parte del hueco que habían dejado muchas bandas canadienses.

Archie
#01 Against Me!  “Transgender Dysphoria Blues’

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2014 fue el año de Against Me y no por sacar el mejor disco de su carrera (eso es una maldita mentira) sino por la serie de condiciones que se pusieron en su favor para ser relevantes. Tom Gabel pasó de ser un hostil punk anarquista a ser Laura Jane Grace, una mujer con aires de estrella de rock que no desaprovechó oportunidad para ser relevante, estar en primera plana de revistas de salones de belleza y extender más su mensaje.

El resultado fue todo menos decepcionante; no hubo medio digital que no hablara del tema durante todo el 2014 y el álbum se colocó en listas de popularidad de medios que siquiera conocemos.

Laura cuenta la historia de su vida en tercera persona en Transgender Dysphoria Blues. Sus frustraciones, sus memorias más perturbantes, la tristeza e insatisfacción de su identidad sexual en contraposición a su sexo biológico. Musicalmente, la banda dejó atrás el forzoso ‘sonido de estadio’ de ‘White Crosses’ y formuló un álbum más sencillo, sincero y directo con tracks que pasaron de ser simples canciones a himnos perdurables.

Josué

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